Resonancias: Revista de investigación musical

ISSN 0719 - 5702 (en línea); ISSN 0717 - 3474 (impresa)

N°47 /

Noviembre 2020

Portada Resonancias nº47 2020

Call for papers

Dossier “Contemporary music festivals in Latin America as an international meeting points: Networks, and aesthetic and ideological discussions (1950–2000)” (Resonancias 50 – June 2022)

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Editorial

Editorial nº 47

Por Alejandro Vera

Director Resonancias
averaa@uc.cl
Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 9-10.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.1
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Minutes

Acta de premiación del XII Premio Latinoamericano de Musicología “Samuel Claro Valdés”

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, p. 11.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.2
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Articles

Protest Song and Countercultural Discourses of Resistance in 1960s Colombia

By Joshua Katz-Rosene

Department of Music, Franklin; Marshall College
joshkr@fandm.edu

 

Abstract
In Colombia, the tumultuous second half of the twentieth century kicked off with a fierce conflict between the Liberal and Conservative parties known as La Violencia (The Violence, ca. 1948-1958). Following a brief period of military rule (1953-1957), a bipartisan system of shared governance, the National Front (1958-1974), brought about some respite to the sectarian bloodshed. However, the exclusionary two-party system precipitated new lines of conflict between the state and communist guerrillas. Along with the political turmoil, the nation was also undergoing an era of profound cultural change. This essay examines three countercultural-oppositional movements that captivated a wide swath of youth in Colombia’s biggest cities during the 1960s: the canción protesta (protest song) movement, the rock and roll subculture denominated as nueva ola (new wave), and nadaísmo, a rabblerousing avantgarde literary movement. I analyze the correspondences and discontinuities in the ways adherents of these movements conceived of the ideal means to carry out social, cultural, and political resistance. While there were fundamental tensions between the “discourses of resistance” linked to these three countercultural streams, I argue that their convergence in the late 1960s facilitated the emergence of a commercial form of canción protesta.

Canción Protesta - Nadaísmo - Nueva Ola - Rock and Roll - Resistance - Colombia

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 13-37.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.3
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Articles

Estética, musicología y secularización. El mito del nacimiento de la ópera en la historiografía del último siglo

By Daniel Martín Sáez

Universidad Autónoma de Madrid
daniel.martin@inv.uam.es
Resumen
En este artículo estudiamos la influencia del mito del nacimiento de la ópera en la musicología, centrándonos en los monográficos de historia de la ópera del último siglo, desde la obra fundacional de Kretzschmar (1919) hasta el presente. Este mito ha servido para presentar el nacimiento de la ópera desde un enfoque secular, articulado por una historia de genios, obras y estilos bajo la idea de música absoluta. Esto fue esencial para la propia fundación de la musicología, cuando autores como Abert esbozaron una nueva estética de la ópera que pasó después a la musicología americana, empezando por el monográfico de Grout, que ha influido a todos los historiadores desde entonces. Estos han repetido una serie de tópicos ligados a dicho mito, como la idea del nacimiento teórico del género, la idea de un origen conocido con precisión o la idea de las primeras óperas como experimentos, a menudo inadecuados para abordar el género en sus primeras décadas. La consecuencia más evidente de este enfoque ha sido la marginalización de Roma, así como una cierta minusvaloración de la importancia de la geopolítica y el catolicismo en este periodo.

mito fundacional - ópera - estética - secularización - musicología

 

Aesthetics, Musicology and Secularization. The Myth of the Birth of Opera in the Historiography of the Last Century

Abstract
In this article I study the influence of the myth of the birth of opera on musicology, focusing on the monographs on the history of opera in the last century, from Kretzschmar’s founding work (1919) to the present. This myth has served to present the birth of opera from a secular approach, articulated by a history of geniuses, works and styles under the idea of absolute music. This was essential for the very foundation of musicology, when authors such as Abert tried to found a new operatic aesthetics. This was later inherited by the American musicology, starting with Grout’s history, which influenced all historians since then. They repeat a series of topics linked to this myth, such as the idea of the theoretical birth of the genre, the idea of a well-known origin, or the idea of the first operas as experiments. The most obvious consequence of this approach is the marginalization of Rome, which has led to an underestimation of the importance of geopolitics and Catholicism in this period.

Founding Myth - Opera - Aesthetics - Secularization - Musicology

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 39-58.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.4
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Articles

La “esfera de creación” de El final de don Álvaro, de Conrado del Campo: un drama lírico español con esencias románticas

By David Ferreiro Carballo

Departamento de Musicología, Universidad Complutense de Madrid
dafcar.df@gmail.com
Resumen
En este artículo se estudia el proceso de creación de El final de don Álvaro, drama lírico en un acto y dos cuadros sobre un libreto de Carlos Fernández Shaw y música de Conrado del Campo. Para ello nos serviremos del concepto de “mediación”, de manera que, además de analizar los mecanismos asumidos por ambos autores durante la poiesis de la ópera, veremos de qué manera se proyectan en el proceso las características culturales, estéticas e ideológicas del contexto en el que se inserta la obra. El punto de partida será la acotación y adaptación personal de un argumento teatral preexistente: Don Álvaro o La fuerza del sino (1835), del duque de Rivas. A continuación, se analizarán las razones que llevaron al compositor a elegir solo la parte final de este asunto: el potencial musical de su esencia romántica. Después veremos cómo el libretista afrontó la elaboración de un texto según las necesidades del compositor, y terminaremos explorando la incidencia de la principal influencia musical del momento: el wagnerismo, un lenguaje que será combinado con el canto popular para crear un nuevo modelo de ópera española: el drama lírico nacional.

Romanticismo - drama lírico - mediación - ópera nacional - música popular y wagnerismo

 

The “Sphere of the Creation” of Conrado del Campo’s El final de don Álvaro: A Spanish Lyric Drama with Romantic Essences

Abstract
This article studies the creation process of El final de don Álvaro, a lyric drama in one act and two tableaus with a libretto by Carlos Fernández Shaw and music by Conrado del Campo. To do so, I use the concept of “mediation”, which allows me to analyze, not only the tools employed by the authors during the creation of the piece, but also the influence of the cultural, aesthetic and ideological features of the historical period in which this opera is inserted. The starting point is the delimitation and the personal adaptation of a preexisting theatrical plot: Don Álvaro o La fuerza del sino (1835), by the Duque of Rivas. After that, I analyze the reasons that led the composer to select only the final part of the original argument: the musical potential of its romantic essence. Then, I show how the librettist wrote a text taking into account the necessities of the composer; and, finally, I explore the incidence of the principal musical influence of the moment: Wagnerism, a language that is hybridized with popular chant in order to elaborate a new model of Spanish opera: the national lyric drama.

Romanticism - Lyric Drama - Mediation - National Opera - Popular Music and Wagnerism

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 59-82.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.5
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Articles

Rock y violencia en España (1956-1964). Los casos de Madrid y Barcelona

By Juan Carlos Rodríguez Centeno

Facultad de Comunicación, Universidad de Sevilla
jcrodri@us.es
Resumen
El rock and roll llegó a España a finales de la década de 1950. La prensa franquista anunció su llegada destacando una de las características que acompañaban al nuevo fenómeno musical y socio-cultural que había triunfado unos años antes en muchos países del mundo: los brotes de violencia que se producían en los conciertos, las salas de baile, los cines, los teatros e incluso las calles. Estas manifestaciones violentas estaban protagonizadas por bandas juveniles que durante los años cincuenta aparecieron en Estados Unidos y Europa Occidental y que serían conocidas posteriormente como tribus urbanas. Los incidentes producidos durante la actuación de Bill Haley en Barcelona, en 1958, revelaron que en la España franquista también existían bandas juveniles seguidoras del rock, que crecieron en número durante la primera mitad de la década de los sesenta, y que la violencia, al igual que ocurría con sus coetáneos foráneos, también era una seña de identidad. Este trabajo se centra en la actividad de estas bandas en Madrid y Barcelona, su relación con la música rock y la visión que de ellas ofrecieron los medios de comunicación.

música rock - violencia - España franquista - cultura popular - prensa musical

 

Rock music and violence in Spain (1956-1964). The cases of Madrid and Barcelona

Abstract
Rock and roll music came to Spain by the end of the 1950s. Franco’s regime announced its arrival highlighting one of the characteristics that accompanied the new musical and sociocultural phenomenon that had triumphed a few years earlier in many countries of the world: the outbursts of violence which took place in concerts, dance halls, cinemas, theaters and even the streets. These violent demonstrations were carried out by youth gangs that appeared in the United States and Western Europe during the 1950s and were later known as urban tribes. The incidents that occurred during Bill Haley's performance in Barcelona in 1958 revealed that in Franco's Spain there were youth gangs followers of rock music which grew in number during the first half of the 1960s, and that violence, like with their foreign counterparts, also was a distinctive mark. This work focuses on the activity of these youth gangs in Madrid and Barcelona, their relationship with rock music and the vision of them offered by the media.

Rock Music - Violence - Franco Regime - Popular Culture - Musical Press

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 83-101.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.6
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Articles

Cuando arden los pianos… Destrucción de instrumentos y poética musical: un estudio de Piano Burning (1966/68) de Annea Lockwood

By Alejandro Morán Artaiz

Departamento de Musicología, Universidad Complutense de Madrid
amartaiz@gmail.com
Resumen
La violencia contra los instrumentos en un contexto musical ha sido un fenómeno recurrente en diversas manifestaciones creativas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, desde las corrientes de vanguardia a la música popular urbana. En el presente artículo se interrogan estas prácticas desde el punto de vista de la estética musical y, más en concreto, de lo que cabe denominar como una “poética del instrumento”. La investigación se plantea como un estudio de caso a propósito de Piano Burning(1966/68), de Annea Lockwood, pieza en cuyo transcurso se produce la quema integral de un piano. Con este propósito, en primer lugar, se enmarca la pieza en su contexto histórico y se establece una comparativa con otras obras que involucran, asimismo, arrojar un piano a las llamas. En segundo lugar, se revisan las teorías filosóficas de Stephen Davies y Matteo Ravasio sobre la destrucción de instrumentos musicales. Finalmente, se aplican los resultados de dichas pesquisas al análisis de Piano Burning, revelando en el proceso el potencial de desterritorialización del instrumento que en ella tiene lugar a través de la producción de signos.

Annea Lockwood - poética musical - quema de pianos - violencia contra los instrumentos - signo - ecología

 

When pianos go up in flames... Destruction of instruments and musical poetics: a study of Piano Burning (1966/68) by Annea Lockwood

Abstract
Violence against musical instruments within a musical context has been a constant phenomenon among different creative manifestations developed after the Second World War, from avant-garde tendencies to popular music. In this article these practices are addressed from the perspective of musical aesthetics, and, specifically, of a kind of “poetics of the instrument”. This research is conceived as a case study focused on the piece    Piano Burning (1966/68), by Annea Lockwood, where a piano is burnt to ashes. Firstly, the piece is framed in its historical context, and also compared to other works that involved the immolation of a piano. Secondly, philosophical theories by Stephen Davies and Matteo Ravasio on the destruction of musical instruments are revised. Finally, the results of these investigations are applied to the analysis of Piano Burning, so that the instrument’s potential of deterritorialization through sign production is revealed in the process.

Annea Lockwood - Musical Poetics - Burning Pianos - Violence Against Instruments - Sign - Ecology

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 103-122.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.7
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Interpretación musical como investigación: una perspectiva desde la práctica interpretativa de música reciente para guitarra

By Diego Castro Magas

Instituto de Música, Pontificia Universidad Católica de Chile
dcastrom@uc.cl
Resumen
El objetivo de este estudio es plantear el caso de la práctica interpretativa de música notada como investigación. Se discuten problemas y discursos acerca de la relación entre práctica artística e investigación en general, planteados originalmente en el Reino Unido y Europa, para luego examinar las necesidades específicas de la interpretación musical a través de modelos existentes. Se considera en particular el rol del análisis musical en estas prácticas, así como la importancia del conocimiento corporeizado (también llamado conocimiento tácito) en los procesos interpretativos. Se propone un modelo que es aplicado en dos estudios de caso dentro de la práctica reciente del propio autor, mediante extractos de música para guitarra de Brian Ferneyhough y Wieland Hoban. Se evalúa el aporte epistemológico de la aplicación de este modelo, así como su impacto en el sonido musical ejemplificado en distintos archivos multimediales con interpretaciones tanto del autor como de otros intérpretes. Bajo la premisa de que uno de los principales potenciales de la práctica como investigación es hacer explícito lo tácito, finalmente se interroga la pertinencia del modelo delineado en estos términos.

Práctica como Investigación - Interpretación Musical como Investigación - Música compleja - Brian Ferneyhough - Wieland Hoban - Guitarra

 

Music performance as research: A perspective from the performing practice of recent music for guitar

Abstract
The aim of this study is to make the case for the creative practice of performance of notated music as research. Discourses and problems on the relation between artistic practice and research are discussed, as originally posed in the UK and Europe, examining the particular issues of music performance through current models. The role of music analysis is particularly considered, as well as the importance of embodied knowledge (also known as tacit knowledge) on these interpretive processes. These models are applied into the author’s own practice through two case studies from complex repertoire for solo guitar with pieces by Brian Ferneyhough and Wieland Hoban. The epistemological contribution of these models is assessed, as well as their impact upon sound as exemplified in a variety of multimedia files showcasing performances of the author as well as other performers. After claiming that the aim of practice-as-research is making explicit the tacit, the pertinence of the model here delineated is interrogated on these terms.

Practice-as-Research - Performance-as-Research - Complex Music - Brian Ferneyhough - Wieland Hoban - Guitar

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 123-145.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.8
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Articles

Musical sophistication explains a good deal of cognitive performance. A cross-sectional study of musicians and non-musicians

By Felipe Porflitt

Facultad de Educación, en la Pontificia Universidad Católica de Chile
felipe@uc.cl

Ricardo Rosas

Facultad de Ciencias Sociales de la Pontificia Universidad Católica de Chile
rrosas@uc.cl

 

Abstract
Musical sophistication is a psychometric construct that can be measured both in people with musical training and without training. Through backgrounds related to musical activities in their lifetime, and other indicators referring to their current events, the person’s musical sophistication can be estimated with a relatively high level of reliability (Cronbach’s α =.78). In turn, few studies have covered the relationships between variables of this type and cognitive performance, leaving an area of research with little evidence. This study explores the relationship between musical sophistication and cognition, taking a sample of 35 musicians and 35 non-musicians (N=70). The objective was to determine to what extent musical sophistication explains cognitive performance. The Ollen Musical Sophistication Index (Ollen 2006) was used to measure this variable, and a battery of tests enabled the measurement of cognitive performance, which considered verbal and visual-spatial working memory, inhibition, flexibility, a go/no-go test, processing speed, fluid intelligence, and divided attention. Exploratory factor analysis was run, showing two factors for cognition variables. Then regression analyses were run for factors 1 and 2, and both collapsed. The results show that 6 out of 8 cognitive variables correlate positively with musical sophistication, explaining 30% of cognitive performance, after controlling for demographic variables..

Musical sophistication - Cognition - Non-musical abilities - Music Performers - Adult Musicians

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 147-167.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.9
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Documents

Las Ordenanzas del oficio de carpinteros de la ciudad de los Reyes (Perú, siglo XVI)

By Constanza Alruiz

Centre de Recherches sur les Arts et le Langage (CRAL-UMR 8566 CNRS/EHESS), Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales
constanza.alruiz@ehess.fr

Laura Fahrenkrog

Departamento de Historia y Ciencias Sociales, Facultad de Artes Liberales, Universidad Adolfo Ibáñez
laura.fahrenkrog@uai.cl
Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 169-180.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.10
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“Etnomusicología histórica”: reconstruyendo la historia de la liturgia Falasha [1980]

By Kay Kaufman Shelemay

Harvard University

Traducción: Ana María Díaz

Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 181-205.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.11
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Documents

Personalidades sonoras en la creación de ópera. Sistematización de elementos musicales en la creación de personajes y su narrativa musical en El Cristo de Elqui

By Miguel Farías

Instituto de Música, Pontificia Universidad Católica de Chile
miguel.farias@uc.cl
Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 207-226.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.12
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Reviews

Ginesi, Gianni. 2018. Seguir el discurso. La entrevista en profundidad en la investigación musical. SIBE-Sociedad de Etnomusicología, Instrumentos para la investigación musical, núm. 2, 100 pp. ISBN 978-84-09-00803-2.

By Gabriel Macias Osorno

Universidad Autónoma Metropolitana, Unidad Iztapalapa, Posgrado en Humanidades-Historia
gabmaos@gmail.com
Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 227-231.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.13
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Reviews

Garrido, Waldo, Dan Bendrups y Philip Hayward. 2018. Música de Chiloé: Folklore, Syncretism, and Cultural Development in a Chilean Aquapelago. Londres: Rowman & Littlefield.

By Ignacio Soto-Silva

Universidad de Los Lagos, Departamento de Humanidades y Artes
ignacio.soto@ulagos.cl
Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 232-237.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.14
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Reviews

Palomino, Pablo. 2020. The Invention of Latin American Music. A Transnational History. Nueva York: Oxford University Press.

By Juan Carlos Poveda

Instituto de Música, Facultad de Filosofía y Humanidades, Universidad Alberto Hurtado
jpoveda@uahurtado.cl
Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 238-241.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.15
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Reviews

Val, Fernán del. 2017. Rockeros insurgentes, modernos complacientes: un análisis sociológico del rock en la Transición (1975-1985). Madrid: Fundación SGAE (623 páginas). ISBN: 978-84-8048-890-7

By Eduardo Viñuela

Departamento de Historia del Arte y Musicología, Universidad de Oviedo
vinuelaeduardo@uniovi.es
Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 242-244.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.16
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Reviews

Vela, Marta. 2019. Correspondencias entre música y palabra. Un estudio sinestésico sobre Harmonie du soir, Baudelaire/Debussy, y Le Gibet, Bertrand/Ravel. Vigo: Académica Editorial del Hispanismo. 148 pp.

By Irene de Juan Bernabéu

Universidad Alfonso X El Sabio
irene.dejuanbernabeu@gmail.com
Resonancias vol. 24, n° 47, julio-noviembre 2020, pp. 245-248.
DOI: https://doi.org/10.7764/res.2020.47.17
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Authors

Autores nº 47 (sección "Artículos")

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